Museo Kröller-Müller: arte en el paraíso.

GANADOR DE LA 3ª ENTREGA DE CERCANT L’ART (abril): Pere Sánchez.

El Museo Kröller-Müller está ubicado en el parque natural Hoge Weluwe, cerca de Otterlo, Países Bajos. Además de su importante colección de pintura, posee un jardín de esculturas al aire libre con obras monumentales de Auguste Rodin, Henry Moore y otros escultores contemporáneos.  

En 1909, el matrimonio formado por Anton Kröller, un rico hombre de negocios, y la mecenas Helen Müller adquirieron los terrenos que él quería para una reserva de caza y ella para exponer su colección de arte moderno, una de las mayores del mundo en el ámbito privado, que incluía 297 obras de Van Gogh y otras muchas de grandes pintores como Monet, Renoir, Picasso, Modigliani y Mondrian.

Para las edificaciones se recurrió a los mejores arquitectos del momento, pero, desgraciadamente, el proyecto fue interrumpido por la Primera Guerra Mundial y la subsiguiente crisis económica. Finalmente, el matrimonio llegó a un acuerdo con el Estado holandés para continuar el proyecto a cambio de cederle la propiedad y la colección de arte. Así, se añadieron diversos edificios y pabellones y el museo abrió sus puertas al público en 1938.

Helene Kröller-Müller fue de las primeras coleccionistas de arte en reconocer el genio de Van Gogh y el museo cuenta con un buen número de obras suyas como Los comedores de patatas, Terraza de café por la noche y En el umbral de la eternidad. Es la segunda colección más grande del mundo, después del Museo Van Gogh de Ámsterdam.  Otros artistas destacados de la exposición, además de los mencionados previamente, son Lucas Cranach, James Ensor, Paul Gaugin, Odile Redón, Georges Braque y Juan Gris, cuyas obras podéis curiosear en la página web del museo.

El jardín de esculturas se añadió en 1961 y en 1977 se le dotó de una nueva ala. La exposición al aire libre, con más de 3000 hectáreas, es una de los más grandes de Europa y cuenta con una gran colección de escultura moderna que refleja la concepción de Helene Kröller-Müller de crear una simbiosis entre el arte, la arquitectura y la naturaleza. Incluye obras de Auguste Rodin, Giacometti, Aristide Maillol, Constant Permeke, Hans Arp, Henry Moore, Jean Dubuffet, Lucio Fontana, Mario Merz, Richard Serra, Sol LeWitt, Jacob Epstein y Carl Andre, entre otros destacados escultores. 

El cuadro seleccionado para el concurso es de Georges Seurat, inventor del puntillismo. Partiendo de los métodos pictóricos impresionistas, estudió la teoría científica de la visión cromática y aprendió que los colores llegan al ojo como radiaciones luminosas de distinta longitud de onda y es en la retina donde se produce la síntesis. Entonces, decidió construir sus cuadros por medio de minúsculos toques uniformes de colores puros, como en un mosaico. En lugar de mezclar los pigmentos en la paleta, como lo habían hecho sus predecesores, aplicaba los colores fundamentales directamente sobre el lienzo, punto por punto. Los colores se mezclarían después en la retina del espectador para conseguir la tonalidad deseada, sin perder intensidad ni luminosidad. Pero esta técnica tan radical ponía en peligro la legibilidad de sus cuadros ya que se prescindía de los contornos y se fragmentaban las formas en zonas de puntos multicolores. Seurat se vio obligado a compensar la complejidad de su técnica con una simplicidad de las formas. Para distinguir lo que representa el cuadro, el espectador debe retroceder algunos pasos.

Seurat no tuvo éxito en vida, lo cual se pudo permitir al contar con el apoyo económico de su padre, un ujier enriquecido con la especulación inmobiliaria. A los 21 años había abandonado la Escuela de Bellas Artes porque se negaba a pintar los cuadros históricos y mitológicos convencionales y la cuarta exposición de los impresionistas le causó un gran impacto. Captar la luz y la armonía se convirtieron en sus prioridades. 

Le encantaba pintar a orillas del Sena en Asnières, al noroeste de París y allí creó en 1885 su cuadro más famoso, Un domingo por la tarde en la isla de La Grande Jatte. La calma y la fascinación que emanan de esta pintura no se deben solo a los colores, sino también a una estructura lineal artísticamente equilibrada. Las verticales de los árboles y las figuras paseando se corresponden con las horizontales de las sombras y la gente sentada o tumbada. Los personajes, de frente o de perfil, de pie o sentados, tienen una actitud rígida; recuerdan a un friso griego y su ancestral armonía. Presentada en la octava y última exposición de los impresionistas de 1886, la obra escandalizó al público y en vida del autor el cuadro no abandonó su taller, nadie se interesó por él. Actualmente se expone en The Art Institute of Chicago. 

El canal de Gravelines, expuesto en el Museo Kröller-Müller, le pintó en 1990 y con él podemos disfrutar de la técnica cromática de Seurat y también de esas velas curvadas ligeramente, líneas ascendentes que suscitan alegría y dinamismo, motivo repetido en los cuadros de Seurat.

En los años de actividad pictórica, Seurat llevaba una doble vida, respetando siempre las convenciones sociales. Hasta su prematura muerte en 1991, a los 32 años de edad, durmió en casa de su madre y nunca reveló a su familia ni a sus amigos que vivía en el taller con una joven obrera con la que había tenido un hijo.  El único ámbito en el que se liberó fue en el arte.

A pesar de las críticas hacia la obra de Seurat, algunos pintores como Signac y Lucien Pisarro siguieron su ejemplo, y el crítico de arte Fénéon nominó al grupo como neoimpresionista. De este modo los diferenciaba de los impresionistas románticos que, de una forma más intuitiva, habían intentado captar la fugacidad luminosa en sus lienzos. Seurat había sustituido este procedimiento arbitrario por un sistema científico, había destruido las costumbres visuales de sus contemporáneos echando abajo la estructura cromática para reorganizarla después punto por punto.

Nueve años después de su muerte en 1891, la familia confió a un pintor seguidor de su técnica, Signac, y a sus amigos la organización de una exposición-venta. Los dibujos sin marco costaban 10 francos y con marco, 100; ni más ni menos que las fortunas que se pagaron después. 

El gran protagonista del museo, Vincent Van Gogh, asimiló las lecciones del impresionismo y el puntillismo de Seurat y gustó de pintar con puntos y trazos de colores puros, pero en sus manos se convirtieron en algo muy diferente: empleó pinceladas aisladas no solo para desmenuzar el color, sino también para expresar su propia agitación. Las pinceladas de Van Gogh, mas allá del impacto estético, nos comunican su estado emocional. Antes que él ningún artista había utilizado las formas y colores con tal coherencia y vigor para expresar lo que sentía y para que otros, como cada uno de nosotros, experimentaran lo mismo.   

Así pues, en el Museo Kröller son muchas las emociones e impresiones que podemos disfrutar gracias a esa extraordinaria simbiosis: obras de arte mayúsculas rodeadas de una naturaleza sosegada. Realmente es una gozada recorrer sus senderos en bicicleta e ir tropezando con las esculturas al aire libre, el mejor aire que les puede envolver y donde más deslumbra su belleza. Ellas no se van a mover, nos esperan. 

Cinta